situArte

Número completo

Revista situArte — 2024-06-21

Editorial

Deivis Gabriel Herrera González — 2024-06-21

La lira da braccio Amati e le geometrie dell'Harmonia Mundi

Isabella Pascucci — 2024-06-21

A partir de un cuadro inédito de tema musical, este artículo rastrea las difíciles y controvertidas teorías sobre la génesis y la evolución formal de la lira, dedicando espacio a los tratados de los siglos XVI y XVII. Gran parte del estudio se dedica al complejo simbolismo que, entre Renacimiento y Barroco, hizo de la lira el atributo mitológico, también dinástico, de la Suma Armonía, concepto musical, filosófico y alquímico que funda su principio en la repetición del número siete. En el mencionado cuadro del siglo XVII, el descubrimiento de una representación rigurosa de una lira con teclado decorado de motivos geométricos estimuló la investigación histórica y documental con la cual comparar esta lira pintada con un ejemplar perdido de manufactura Amati, y con los círculos eruditos de la Roma post-tridentina y de la Florencia de los Médicis

The Villancico de Negrilla: Europe and Africa in Seventeenth-Century Mexico

Antonio Llaca — 2024-06-21

El villancico se convirtió en un género musical importante en el mundo español y emigró con la conquista desde la Península Ibérica al Nuevo Mundo. En el contexto de sociedades racialmente muy mezcladas en las Américas, el género ganó diversidad lingüística, temática y musical. Este artículo examina cuestiones de agencia social en la representación musical de los esclavos africanos a través de dos composiciones de Gaspar Fernandes y Juan Gutiérrez de Padilla. El autor proporciona un análisis de textos a través del lente de la agencia social para mostrar la visión europea del sujeto africano en el México del siglo XVII. El estudio muestra las diversas representaciones del sujeto africano en el género villancico por parte de los compositores novoespañoles de la época.

El centenario de Brasil: un homenaje musical escolar en Buenos Aires

Luisina García — 2024-06-21

En septiembre de 1922, en el Teatro Colón de Buenos Aires se llevó a cabo un festival musical escolar para homenajear a Brasil en el centenario de su independencia, organizado por el Consejo Nacional de Educación argentino. Con un enfoque documental y la utilización del método histórico-hermenéutico, este trabajo postula que la conmemoración de la efeméride brasileña en Argentina fue una acción simbólico-cultural que, al igual
que otros acontecimientos cercanos en el tiempo, buscó promover un clima de reciprocidad y cortesía internacional, impulsado, en este caso, desde el aparato educativo estatal y desde cierto sector del ambiente musical argentino, emparentados en el pensamiento nacionalista y en una creciente voluntad de confraternidad americana.

Frederic Mompou’s Guitar Version of Cançó i Dansa X: A Dating Hypothesis

Camilla Rubagotti — 2024-06-21

El objetivo de este artículo es formular una hipótesis de datación para Canción y Danza X para guitarra de Federico Mompou. Esta hipótesis se basa en documentos autógrafos del compositor y del dedicatario del díptico, que hicieron posible una reconstrucción histórica, además de fuentes contemporáneas y sucesivas sobre Federico Mompou, Andrés Segovia y otros hechos y personas nombrados en los documentos. Este artículo evidencia en última instancia que Canción y Danza X para guitarra podría ser contamporánea o anterior a las versiones para piano y para cuarteto vocal y, por lo tanto, la primera pieza para guitarra de Mompou, diez años antes de Suite Compostelana.

F. Casella: Fabrizio e Felicita tra catalogazione e storiografia

Kristina Petric — 2024-06-21

Mismas iniciales, dos mundos diferentes: Fabrizio y Felicita Casella, dos importantes personalidades de la música del siglo XIX. Él, profesor y compositor romano de música vocal; ella, pianista, compositora y cantante de ópera de origen francés de fama internacional, tía de Alfredo Casella. Recientemente, debido a errores de catalogación, sus vidas en el mundo digital se han entrelazado, casi solapado: las obras de uno se han atribuido al otro. El descubrimiento, realizado en el Archivo Estatal de Terni en 2022, fue totalmente fortuito. Bajo la dirección de la profesora Cristina Cimagalli, se emprendió una investigación archivística de carácter documental en varias bibliotecas europeas, y se han encontrado pruebas concluyentes sobre la atribución real de las piezas examinadas, contribuyendo de este modo a los estudios historiográficos de la música, así como a la recuperación y conservación del patrimonio musical.

Antiphonal Composing in Salvatore Sciarrino’s Superflumina

Daniel Serrano — 2024-06-21

Superflumina, de Salvatore Sciarrino, hace referencia a un texto bíblico y a temas religiosos, como el comienzo del Salmo 137. Incorpora una antífona en el Quadro III, conectando el texto del Salmo con el método antifonal utilizado en la música sacra. El Quadro III (Antífona) representa un sueño interrumpido, asumiendo la función de peripecia. En una escena de interrogatorio, la protagonista, “La Donna”, recita fragmentos del Cantar de los Cantares mientras es interrogada por un policía. Los distintos instrumentos interpretan elementos sonoros dispares, contrastando diversas ideas musicales. Este estudio pretende identificar estrategias compositivas que aclaren el enfoque de Sciarrino sobre el modo antifonal de componer y explorar los elementos procedentes de la interpretación antifonal para la cita del Cantar de los Cantares, y de qué forma los integra en su estilo compositivo.

Algunas consideraciones sobre la dimensión escalar del tempo

Diego Morales — 2024-06-21

La llegada de la microtonalidad ensanchó los límites de las escalas tradicionales. Pioneros como Carrillo (1957), Haba (1984), Johnston (1964), entre otros, se encargaron de dividir la octava a partir de certezas matemáticoquirúrgicas de mucha precisión. Estos procedimientos no solo enriquecieron las escalas y acordes disponibles, sino que trajeron varios problemas de anotación y reproducción que todavía no han sido resueltos. El ritmo, sin embargo, se rebela ante cualquier ambigüedad de notación y se yergue como el parámetro inclusivo. A partir de las conclusiones del experimento de las alturas se pueden adelantar comportamientos posibles dentro de otros parámetros y utilizarlos en la exploración de la dimensión escalar. Estas observaciones rítmicas se pueden utilizar para interpretar, componer o analizar música. Tales búsquedas se deducen de la ventaja de este parámetro comparado con la altura y nos permite volver la atención al ritmo.

Horațiu Rădulescu, Das Andere e l’armonia del Plasma sonoro

Ekaterina Maliugina — 2024-06-21

A diferencia de sus colegas franceses, el compositor rumano Horațiu Rădulescu llegó al método espectral de forma intuitiva a través de la audiopercepción y no del análisis informatizado del sonido, inspirándose en la filosofía (Lao Tzu, Mircea Eliade), la psicología (Carl Gustav Jung) y el misticismo. En 1973, Rădulescu expuso su estética en “Plasma sonoro: Música del signo futuro o mi re agudo opus 19∞”, en el que las principales categorías musicales –armonía, ritmo y forma– se basan en un retorno a la naturaleza del sonido. Das Andere op. 49 para viola es un ejemplo de este nuevo enfoque compositivo. La forma se basa en un cambio de densidad, de la rarefacción a la densificación, manifestando así una estructura ternaria transitiva de la estabilidad a la inestabilidad (y viceversa). Rădulescu es uno de los pioneros del espectralismo, por lo que su música merece un estudio sistemático y profundo.

Architectural Forms in Stravinsky's Music: Site-Specific Case Studies

Anastasia Kozachenko-Stravinsky — 2024-06-21

Igor Stravinsky escribió: “No podemos precisar mejor la sensación que produce la música que identificándola con la que nos provoca la contemplación de las formas arquitectónicas. Goethe lo entendió bien cuando dijo que la arquitectura es música petrificada”. Desde la Edad Media, la arquitectura y la música han cooperado. Han vivido su metamorfosis juntas, de la mano. Su fusión ha producido híbridos arquitectónicos y musicales únicos. Una historia similar conecta el Concierto en mi bemol mayor para orquesta de cámara “Dumbarton Oaks” o Canticum Sacrum, de Igor Stravinsky, escrito para la Basílica de San Marcos de Venecia. Este trabajo pretende ofrecer un enfoque multidisciplinar de una conexión profunda entre música y arquitectura. El método de la semiología permite encontrar ideas ocultas en obras musicales y monumentales.

Tra avanguardia e postmodernità: L’Amour de loin di Kaija Saariaho

Simone Marino — 2024-06-21

Vanguardia y posmodernidad son los pilares fundantes de L'Amour de loin, ópera en cinco actos de la compositora finlandesa Kaija Saariaho sobre libreto del escritor libanés Amin Maalouf, representada en el Festival de Salzburgo el 15 de agosto de 2000. Fruto de una larga maduración, este drama vio a Saariaho pasar de una concepción material de la música a una poética musical más “aérea”, en la que arte, literatura y poesía encuentran su lugar. Este estudio pretende mostrar cómo, en el panorama musical contemporáneo, es posible una vía alternativa al extremismo. En efecto, Saariaho retoma deliberadamente cánones estéticos hoy completamente superados, exhumándolos a través de medios musicales aún más modernos que los utilizados por los compositores contemporáneos. Para ello, se analizará brevemente la concepción estética de la compositora y se examinarán los principales elementos que hicieron de L'Amour de loin el vínculo entre la vanguardia y la posmodernidad.

Aligning Vocal Pedagogical Bodies of Knowledge in Singing-Lesson Experiences

Janine Paula Magnin — 2024-06-21

La pedagogía vocal es una disciplina académica emergente que está ganando terreno rápidamente como cuerpo de conocimiento riguroso y relevante. Sin embargo, sus conocimientos carecen a menudo de la rigurosa legitimidad que exige la credibilidad académica. El oficio occidental de enseñar a cantar y las habilidades vocales tiene una larga historia y está profundamente arraigado en la experiencia práctica. Este artículo explora la preocupación de los escritores académicos por legitimar la práctica artística en el mundo académico y en las instituciones de enseñanza superior. El artículo utiliza una investigación fenomenológica sobre las experiencias de cantantes adolescentes para ilustrar cómo se puede negociar este alineamiento práctico-teórico. Esta alineación entre la credibilidad rigurosa y la enseñanza de la voz puede verse como un dilema o una consideración.

Praticare il flow: uno studio autoetnografico

Francesco Campora — 2024-06-21

La presente es una autoinvestigación sobre el flow, entendido como experiencia óptima durante el estudio diario del instrumento musical, centrándose en el bienestar psicofísico de los estudiantes de música, independientemente de su rendimiento académico o interpretativo. Tras establecer un protocolo (duración de las sesiones, repertorio), se grabó en video el estudio del piano del autor durante dos meses; al final de las sesiones, se completó un cuestionario (Flow State Scale) para autoevaluar los niveles de flow alcanzados durante el estudio, y se llevó un diario en el que se recogieron las sensaciones experimentadas, las posibles dificultades y la conciencia adquirida a nivel emocional y musical. El análisis de los datos, en parte cuantitativo (cuestionarios) y en parte cualitativo (diario, vídeo), tuvo por objeto seguir la evolución de los niveles de flow y destacar qué hábitos y prácticas contribuían a hacer del estudio diario una experiencia positiva o negativa, en referencia al modelo de flow de 9 dimensiones propuesto por Csíkszentmihályi (1990).

HIATOS Colectivo: intervención sonora de Barcelona

Cateri Muro — 2024-06-21

Este artículo presenta el proyecto de investigación artística HIATOS Colectivo mediante una intervención sonora de la ciudad de Barcelona, España, explorando la dimensión espacial de la música a través del enfoque de investigación artística centrada en el arte como fundamento teórico. El objetivo de la investigación es la reflexión de cómo la dimensión sonora interactúa con el entorno urbano y cómo la espacialidad influye en la percepción dentro del concepto de “obra abierta”. La metodología incluye una serie de instalaciones sonoro-espaciales en diferentes lugares de la ciudad a través de la cartografía y de derivas situacionistas como técnicas de generación de datos, utilizando la tecnología de geolocalización sonora ECHOES, logrando una comprensión más profunda de la interconexión entre música y espacio. Las conclusiones destacan la importancia de la espacialidad sonora, su rol en la percepción y en la conexión emocional, así como su potencial terapéutico.

Normas para la publicación de trabajos

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Normas de arbitraje

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